Jeppe Hein, est un artiste dont l’espace est l’unique propos.

Il est considéré comme un néo minimaliste.

Changing espace (changer l’espace) les cloisons se déplacent autour des spectateurs pour devenir un étroit couloir. Expérience de l’espace qui rétrécit.
voir un commentaire.

Lorsque les spectateurs se rapprochent du centre, ils sont ensuite entourés par un mur d’eau.
Voir Jeppe Hein au château Lacoste

Question du temps les vertiges de la lenteur

Les artistes qui ont travaillé sur cette question ont presque tous travaillé sur la lenteur pour ralentir notre temps réel qui est en général assez stressant.

C’est le sens du travail de Pol Bury.
Il avait publié un ouvrage en 1977 intitulé « Les horribles mouvements de l’immobilité« .
Selon des procédés des techniques variées, il crée des surprises pour le spectateur Comme par exemple 25 boules sur 10 plans inclinés.

Ces boules devraient tomber, mais des moteurs cachés permettent leur maintient avec des mouvements très lents.
Il a dit : « Etant donné qu’une boule se déplace de A en B, le souvenir que nous avons de son point de départ est fonction de la lenteur avec laquelle elle exécute son trajet. Si cette lenteur est extrême, notre œil, notre mémoire, perdent le souvenir du point A. Et par la lenteur, trajet semblant échapper à la programmation, les objets se parent d’une liberté réelle ou fictive. La boule échappe à la pesanteur« .

Titre à connotation érotique. Les cylindres sont actionnés par des moteurs qui créent des mouvements lents presque imperceptibles.

Rebecca Horn crée des machines motorisées avec des connotations sexuelles.

Le baiser du rhinocéros est constitué de deux demis cercles métalliques porteur d’une corne de rhinocéros, qui peuvent s’écarter et se rapprocher (et se font un baiser lorsqu’elles se rapprochent).

Entre les couteaux et le vide. Se sont des couteaux de cuisine dont les lames se rapprochent très lentement et pénètrent dans les poils d’un gros pinceau japonais. Sensualité associée à l’idée de danger.

Voir également :
– Papillons mécaniques qui battent des ailes.

– Les âmes flottantes (1990). Partitions de musique qui battent des ailes comme des oiseaux.

Elle utilise souvent des plumes ou des couteaux.

Elle a réalisé de grandes installations comme

Thème de l’énergie. Haute lune (1991). Au plafond pendent deux entonnoirs, remplis d’un liquide rouge sang qui alimente deux fusils braqués l’un contre l’autre. A intervalle régulier, des coups partent en même temps et s’annulent, mais cela déclenche un tourbillon dans les entonnoirs qui débordent, le liquide tombe au sol dans une rigole et au fond un dispositif suggère que l’écoulement se poursuit au delà de la scène. C’est le thème de la passion, l’énergie qui se fraie un chemin parmi les obstacles.
Le temps ici est important, car le spectateur qui entre dans cette pièce qui voit cette installation, va attendre le moment du déclenchement, puis il va rester encore pour voir un autre déclenchement…
Voir d’autres oeuvres de Rebecca Horn (site de Rebecca Horn).

1992 La lune l’enfant et la rivière de l’anarchie. Vieux pupitres suspendus au plafond d’où l’encre s’écoule dans de longs tubes dont certains sortent de la salle. Un souvenir d’enfance de l’artiste. Son monde intérieur est en général installé au plafond. Inspiré du film de J. Cocteau le sang d’un poète.

Le chœur des sauterelles (1991), en lien avec la Guerre du Golfe et la mise en scène médiatique de l’époque.
Explication de l’artiste : « Pendant la guerre du Golfe, j’ai été invitée à une exposition. L’éclatement de ce conflit, l’utilisation d’armes nouvelles, les mises en scène médiatiques apparues avec l’événement, tout cela a déclenché une très vive discussion parmi les invités. C’est dans ce contexte qu’est né mon travail appelé le chœur des sauterelles (The Chorus Of The Locusts). Il tenait sur trois pièces contiguës: dans la première, 40 machines à écrire tapant à des rythmes différents étaient suspendues au plafond; la deuxième pièce, celle du milieu, était vide; quant à la troisième, il était impossible d’y pénétrer. On ne pouvait pas y poser le pied parce que 4 000 verres à vin serrés les uns contres les autres et posés sur des lamelles de bois mouvantes formaient une masse tremblante et cassante. C’est en fait dans la pièce vide que se produisait la confrontation, là où se croisaient les rythmes oppressants, presque catatoniques, venus du plafond voisin et les cliquetis obsédants de l’installation au sol. Les personnes entrant dans cet espace intermédiaire se mettaient à se mouvoir de façon saccadée. Les machines devenaient alors des acteurs jouant avec leurs spectateurs« .

Chez Rebecca Horn, on est pris entre la réalité des objets et la fiction poétique de leur mise en scène. Evènement à la fois visuel et sonore dont on attend qu’il se reproduise.

Mona Hatoum est également une adepte du temps long.

Pièce minimaliste. Grand disque au sol rempli de sable fin, le bras en tournant trace des sillons réguliers qui sont ensuite effacés par l’autre bras.
Les spectateurs étaient fascinés par ce mouvement, dispositif silencieux et sans fin.

Œuvres dont la durée de vie est programmée le temps de l’exposition

Urs Fischer a réalisé une figure de cire représentant l’enlèvement des Sabines de Jean De Bologne, qui a fondue durant le biennale de Venise avec un spectateur de cire qui était un moulage de Rudolf Stingel.

Cette mise en scène est sans doute l’une des plus spectaculaires et des plus reconnaissables de son oeuvre. La lente déliquescence du matériau exprime avec force la condition putrescible du biologique et dit ici quelque chose de la finitude même des civilisations.

Bill Viola Ses installations vidéo impliquent fortement le temps d’une manière originale, car tout est filmé au ralenti.

L’artiste nous laisse libre de notre interprétation. Il s’agit souvent pour lui d’expériences mystiques d’émotions fortes.

The greating (La bienvenue). Il faut rejouer à ses performeuses, la scène de la Visitation d’après le tableau de Pontormo. C’est une façon d’étirer dans le temps ce qui est suggéré dans le tableau.

Il a fait la même chose avec une Pieta de Mazolino en faisant sortir très progressivement le Christ de son tombeau.

Voir le site de Bill Viola

L’inquiétante étrangeté du temps différé

Bruce Nauman a réalisé dans les années 70, plusieurs installations dont

Bruce Nauman (1970) Going around the corner piece (Centre Pompidou).
Quatre caméras vidéo et des moniteurs, filment le spectateur avec comme objectif de le déstabiliser et perturber ses certitudes. Lorsqu’il regarde les moniteurs, il est toujours filmé de dos.

Fait partie de la série des corridors, qui pour certains mettent en jeu la lumière.

Espace et lumière

Il propose au spectateur une autre expérience. Un corridor étroit avec des écrans de télévision à l’extrémité.

Voir également dream passage with four corridors (Centre Pompidou), avec deux couloirs qui se croisent.
Il dit ceci : « Ce couloir fonctionnait avec une image en direct et une image enregistrée représentant le couloir vide. J’avais installé un objectif grand angle au plafond juste à l’entrée, de sorte qu’en progressant, dans le couloir on s’éloignait de soi même. On s’éloignait doublement parce que notre image était prise de dos et en plongée et parce qu’à mesure que l’on avançait, l’objectif grand angle modifiait la vitesse avec laquelle on s’éloignait de la caméra. Lorsqu’on faisait un pas, en fait, on avait l’impression d’en faire deux par rapport à son image. »

Voir un commentaire (Musée Guggenheim).

Le décalage entre image et réalité peut être anxiogène. Son propos est toujours de dénoncer la violence de la civilisation américaine, des architectures comme des gens.
Il peut aussi exprimer cette violence par des néons.

Se sont des rencontres agressives.

Voir également :
– Sex and death (1985)
– Sex and Death by Murder and Suicide (1985)
– Sex and Death by Murder and Suicide (1985)

Dan Flavin, a été le premier à utiliser le néon. Il reproduit avec ses néons des oeuvres silencieuses des grands peintres américains (Rothko, Barnett Newman) dont il affirme à son tour la dimension métaphysique, et le sens du sacré. Il sait que les tubes néons attirent le regard mais qu’en même temps, on ne peut pas s’en approcher, et il joue dessus. Souvent il les installe dans des angles, la volonté est de créer des espaces de méditation.

James Turrell a construit son oeuvre sur la lumière.

Vous flottez sur une chaussée dans «The Light Inside» à travers un champ d’éclairage qui passe progressivement du bleu au cramoisi au magenta.