Auguste Rodin, portrait du père Eymard (1863) Bronze 59,3 cm x 29 cm x 29,2 cm
(cliquer sur l’image pour l’agrandir)

Le Père Eymard, celui qui a mené Rodin de l’ombre à la lumière

Auguste Rodin, Mignon (1868-70) photos marbre et bronze
(cliquer sur l’image pour l’agrandir)

Auguste Rodin, la Bacchante 1874

Ce sont des travaux alimentaires.

Pour avoir une certaine sécurité financière, il entre comme collaborateur dans l’atelier d’un sculpteur en vogue Albert Ernest Carrier-Belleuse dont il a réalisé le buste en 1862 et pour lequel il modèle des figures que Carrier-Belleuse signe de son nom.

Exemple « la vasque des Titans » (1876), très inspirée des Nus de Michel-Ange.

Carrier-Belleuse ayant transféré son atelier en Belgique en 1870, Rodin le suit à Bruxelles où il reste 7 ans, et où Rose l’avait rejoint. En 1875 l’homme au nez cassé fut sa première sculpture acceptée au salon à Paris.

Il avait donné à ce portrait l’allure d’un Socrate. Voir un détail.

Cette année-là, il découvre l’Italie et en particulier il est enthousiasmé par Michel-Ange à Florence. Voir ses feuilles de croquis, vers 1871-1877. C’est pourquoi, dès son retour, il réalise une étude de nu grandeur nature, la première sculpture qui va faire parler de lui ; il l’avait d’abord appelée le vaincu, puis l’homme qui s’éveille, et finalement l’âge d’airain en référence au troisième âge de l’humanité décrit par Hésiode, le poète grec. Le personnage symbolise l’éveil douloureux de la conscience individuelle.

Rodin fut accusé d’avoir moulé le corps sur nature, et la critique fut féroce. Très affecté, Rodin fournit un dossier de preuves, montrant les photos du modèle, un jeune soldat belge (Auguste Neyt) qui avait témoigné avoir posé pour lui et il fut finalement innocenté et l’âge d’airain fut acquis par l’Etat en 1880. Mais l’artiste est resté profondément blessé par cette calomnie et dit-il : “Je résolu alors de modeler les personnages plus petits que leurs dimensions naturelles, ceci afin de prouver une fois pour toute que j’étais capable de modeler en m’inspirant de la nature, aussi bien que d’autres sculpteurs”.
Voir un commentaire du musée d’Orsay :

Voir un commentaire (musée Rodin).

En 1879-1880 Saint-Jean-Baptiste est né de la rencontre de Rodin avec un paysan italien venu poser pour lui à l’allure un peu illuminé comme un mystique.

Il obtient la mention honorable au salon de 1880, c’est une reconnaissance officielle. Plus grand que nature pour faire taire ses détracteurs (2,08 m de hauteur).
Voir un commentaire (musée d’Orsay)

La porte de l’enfer 1880-1884-1900-1926 – « un réservoir de formes »

En 1880, le secrétariat des Beaux-Arts lui passe commande d’une porte de bronze pour l’entrée d’un futur musée des Arts décoratifs. La commande précise : « Un bas-relief représentant la Divine Comédie de Dante« . C’est sa première reconnaissance par l’État ! Bien sûr, le modèle historique du genre, c’était la porte du Baptistère de Florence réalisée par Lorenzo Ghiberti au début du 15e siècle dont les panneaux représentent des scènes de l’Ancien Testament. Ces gravures sont célèbres parce que ce fut la première utilisation de la perspective en sculpture.
Les premières ébauches réalisées par Rodin reprennent la structure compartimentée des vantaux, comme à Florence, mais Rodin, qui se plonge dans la lecture de La Divine Comédie, abandonne vite cette idée pour deux battants à panneau unique, montrant une gigantesque chute des damnés, plus proche de la puissance poétique de Dante.

Pendant toute la durée de son travail, l’État fournit à Rodin des espaces ateliers au dépôt des marbres rue de l’Université.
En 1881, il reçoit la commande supplémentaire de deux statues destinées à accompagner de part et d’autre la porte : Adam et Eve.

Adam 197 cm de haut a un geste de la main très inspiré par l’Adam de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine, mais il a le bras dirigé vers le sol, montrant la terre.
Voir un commentaire.

Eve fait le geste de protéger honteusement sa nudité, comme celle de la fresque de Michel-Ange Adam et Eve chassés du paradis.
Voir un commentaire.

L’Adam donna à Rodin l’idée des trois ombres installées au sommet de la porte en multipliant 3 Adam orientés de façon différente et penchés vers la scène qui se joue en dessous. L’ensemble souligne les vers du champ III de l’Enfer de Dante : “Vous qui entrez abandonnez tout espérance”.

Voir d’autres images (musée Rodin).

Parallèlement, Rodin a multiplié les dessins mêlant plume, lavis d’encre de chine et gouache que lui inspiraient ses lectures de la divine comédie.
En 1884, les moulages des différentes parties de la porte furent assemblés. La version en bronze ne sera réalisée qu’en 1926, 9 ans après la mort de Rodin. Au fur et à mesure de son élaboration, le ministère des Beaux-Arts, qui finançait régulièrement le travail de l’artiste, en vint à la conclusion que ce sera un chef-d’œuvre autonome, même si la construction du musée des Arts décoratifs était sans cesse repoussée. Ainsi la porte devint la matrice de quantité d’œuvres autonomes qui ont fait la notoriété de Rodin, dans différentes versions en marbre ou en bronze et à différentes échelles.

La porte se compose de cinq parties : deux vantaux, deux pilastres et un tympan horizontal (6 m de haut, 4 m de large, 94 cm d’épaisseur). Rodin y a disposé près de 200 figures, dont beaucoup sont en haut-relief. Dans le cadre de la porte, ses personnages ont une justification : le péché, la damnation, le jugement dernier, mais pris séparément ils peuvent prendre d’autres significations, allant jusqu’à celles que ses détracteurs jugeaient indécentes.
Ainsi, au centre du tympan, le penseur, un homme nu, assis, semble contempler les groupes des damnés à ses pieds.

Pour Rodin, ce n’est pas un rêveur, c’est un créateur. Agrandi, il est devenu un élément de la culture universelle. Il en existe 21 à répartis à travers le monde. En 1906, il a été inauguré devant le Panthéon ouvrant la voie à de nombreuses caricatures.
Voir un commentaire.

A droite du penseur, sur le tympan, une femme penchée en avant se tient la tête, c’est la méditation.

Voir d’autres vues (musée Rodin).
Rodin en a fait une sculpture autonome, puis un jour, pour l’intégrer à son monument à Victor Hugo, il l’a privé de ses bras et de son genou et l’a appelée “la voie intérieure”, qui elle aussi, est devenue une œuvre autonome. La vue de détail permet de voir que Rodin ne cherchait pas à dissimuler les traces du moulage sur le plâtre et, au contraire, il conservait les coutures.

Entre le tympan et le vantail gauche, le personnage de l’homme qui tombe, a été lui aussi largement ré-exploité.

D’abord, dans le pilastre de droite, où il réapparaît portant à bout de bras une femme accroupie. Indépendante, cette sculpture deviendra “je suis belle”, d’après les vers de Baudelaire dans “la beauté”.
“ je suis belle au mortel comme un rêve de pierre
et mon sein, ou chacun s’est meurtri tour à tour,
est fait pour inspirer au poète l’amour
éternel et muet ainsi que la matière… ”
… et “la femme accroupie” est elle aussi devenue une sculpture autonome.

Parmi les damnés de la porte, une figure masculine cambrée dans un geste d’épouvante est devenue “l’enfant prodigue”, qui revient suppliant auprès de son père.

Dans la porte (vantail gauche) la même silhouette s’accroche à une figure féminine. Indépendant, le groupe est devenu “Fugit amor”, qui a été décliné en marbre et en bronze.

Le même groupe, présenté verticalement, a été associé à une autre figure féminine, “l’éveil”, qui est aussi décliné de façon autonome.

Sur le vantail de gauche, une scène tragique montre Ugolin et ses enfants. Dans la Divine Comédie, Ugolin est un comte, accusé de trahison et emprisonné avec ses fils et petit-fils dans la tour de Pise où tous moururent de faim. La légende raconte qu’avant de succomber, Ugolin mangea la chair de ses enfants morts. C’est cela que Rodin évoque en montrant Ugolin penché sur ses enfants. Le groupe est devenu une sculpture autonome.

Juste en dessous d’Ugolin, Paolo et Francesca, c’est Paolo Malatesta et Francesca de Rimini épris l’un de l’autre (Francesca épousa en 1275 Gianciotto Malatesta, seigneur de Rimini, frère de Paolo. Francesca a donc aimé son beau-frère, et Gianciotto qui les a surpris les poignarda). Rodin choisit de montrer le couple deux fois : l’une au moment de leur mort à tous les deux,

… l’autre, beaucoup plus célèbre, au moment où, cédant à la tentation, ils s’embrassent, sur le pilastre droit. Très rapidement, il fut exposé de façon indépendante sous le titre “Le baiser”.

L’Etat passa commande en 1888 d’un agrandissement en marbre, qui a connu un succès immense. Au total, à la demande de plusieurs collectionneurs, Rodin a supervisé la taille en marbre de 3 versions du baiser. L’une est au Musée Rodin à Paris, une autre à la Tate galerie à Londres et une à Copenhague, et en 1929 après la mort de Rodin, une autre a été réalisée pour Philadelphie. Un contrat avait été proposé à Rodin pour éditer des réductions en bronze … que Rodin a qualifié de “bibelots”. Voir un commentaire (Ciné club de Caen)

Ainsi la porte de l’enfer a été la matrice d’innombrables œuvres car Rodin, par assemblage, variation, multiplication, découpage, recréait à l’infini de nouvelles formes, ce qui était tout à fait contraire à la tradition de son temps.
Voir un commentaire (musée Rodin)

C’est pendant l’assemblage des figures de plâtre de la porte de l’enfer que Camille Claudel est entrée dans la vie de Rodin, en 1882 à l’âge de 18 ans (il en avait alors 42). Elle est l’aînée d’une famille bourgeoise de 3 enfants et, très tôt, elle avait décidé de se consacrer à la sculpture. Elle a suivi des cours et s’est initiée à l’anatomie, elle est volontaire, courageuse, fougueuse. Ses premiers travaux montrent son habileté précoce : un buste de Paul Claudel enfant,

… un autre “jeune romain ou mon frère à 16 ans”, ou “le portrait de madame Claudel” 1883, “portrait de Louise Claudel” (sa sœur) 1886,

“la jeune fille aux yeux clos” 1885 et parfois des têtes expressives :

“Giganti ou tête de brigand” 1885. Quelques figures entières “la jeune fille à la gerbe”, “la femme accroupie”.

Lorsqu’elle devient l’assistante de Rodin, son travail est beaucoup plus classique que celui du sculpteur, déjà très libéré des conventions, et qui fait prendre à ses modèles des poses peu conventionnelles, qui vont s’intégrer dans la zone des damnés pour la luxure dans la porte de l’enfer. Comme par exemple :

“Le torse d’Adèle” (sur un linteau, puis autonome),

Voir un commentaire (musée Rodin)

– Voir un commentaire,

“Daphnis et Lycénion, 1885” (Daphnis est un jeune berger grec qui a été initié à l’amour par la femme d’un voisin Lycénion),