Certains l’utilisent pour dénoncer des oppressions.
Renée Green sérigraphie sur toile de coton, sur les meubles et les murs, mais les scènes sont des scènes de l’esclavage sérigraphiées sur tissu à la manière des toiles de Jouy.
Sa vision est de mettre en lumière les éléments oubliés de l’histoire.

Richard Saja. Il utilise toujours le même procédé, il se sert de la toile de jouy comme d’un coloriage qu’il vient orner de ses broderies délirantes. Il sélectionne, dans des toiles de Jouy réelles, des personnages, qu’il affuble à l’aide de broderies, de perruques, d’accessoires contemporains, de nez de clown, de costumes insolites.

Il a commercialisé des modèles en partenariat avec de grandes marques.
Voir également :
– Toile de Jouy revisitée
– Clown
– Singe transformé qu’il appelle d’Arménie
– Décor d’un hôtel restaurant à La Nouvelle-Orléans.

Voir d’autres œuvres de Richard Saja.

Voir un commentaire sur l’utilisation contemporaine de la Toile de Jouy.

Brigitte Zieger artiste allemande. Son Shooting wallpaper a été conçu, en 2006, alors qu’elle était invitée pour une exposition collective à laquelle étaient convié une grande majorité d’hommes.

Toile de Jouy dématérialisée. Cest elle qui joue le rôle du personnage central, habillée avec un costume de pastorale. Elle intervient à différents endroits inattendus de la toile, elle se rapproche presque jusqu’à avoir une taille à l’échelle réelle, puis elle retourne ensuite dans la toile se fondre dans le motif.

Les manufactures d’Aubusson, et des Gobelins, ont commandé aux artistes, les cartons afin de les transposer en tapisserie. C’est une tradition qui s’est poursuivie jusqu’à aujourd’hui.

Voir les tapisseries des Gobelins

Exemple :
– Pablo Picasso Les Femmes à leur toilette, Manufacture des Gobelins, (1976) voir un commentaire.
– Le Corbusier Les mains
– Victor Vasarely Vega .

Des copies sont actuellement commercialisées dans le grand public.

Les artistes contemporains ont revisité la tradition du tapis.

Alighiero Boetti. En 1977 il avait découvert les traditions ancestrales des tisserands. Il décide alors, de faire confectionner des cartes du monde brodées par des femmes afghanes.

En 20 ans, elles en ont réalisé plus de 150 grandes tapisseries brodées, qui illustrent les changements géopolitiques et la géographie sociale.

De la même manière il avait fait brodé des alphabets, pour lesquels les brodeuses étaient libres de la couleur et du choix des lettres.

En 1993 il réalise une oeuvre à la fois artisanale et conceptuelle.

Ce sont trois tentures murales, qui s’intitulent en alternance de 1 à 100 et vice-versa. L’artiste a créé un certain nombre de grilles, et à sollicité 20 artistes, pour noircir les carreaux.

En alternant de 1 à 100 est un kilim né d’un dessin réalisé à Rome et expédié chez vingt professionnels de l’art. Boetti proposait à chacun de remplir progressivement des grilles par des cases noires, à raison de cent cartons par lieu. Chaque grille se composait elle-même de cent carrés, permettant la progression quantitative, et l’alternance des carrés noirs et blancs. Les planches une fois réalisées se sont envolées vers le Pakistan. À Peshawar, à la frontière avec l’Afghanistan, des tisserands attendaient les cinq mille dessins pour tisser cinquante kilims composés de cent carrés divisés à leur tour par cent autres carrés.
Ce tapis incarne l’histoire d’un parcours et le fruit d’un partage. «Ce n’est donc ni une œuvre originale, ni un multiple : elle s’inscrit dans une nouvelle catégorie». La méthode de travail est à l’image d’un chemin ne cessant de se construire, qui relie et ouvre à la fois les espaces.

Lorsque les femmes afghanes se sont réfugiés au Pakistan après l’invasion soviétique L’artiste a continué sans cesse alors produire du travail alors qu’elles n’en avaient plus.

Faig Ahmed, artiste de 37 ans, originaire d’Azerbaïdjan. Il réalise des tapis de laine confectionnés à la main, de manière traditionnelle, mais dont les déformations sont inspirées par des manipulations numériques.

Il vend beaucoup de ses tapis à Dubaï.

Voir d’autres œuvres de Faig Ahmed

Il existe une tendance post-moderne à revisiter les traditions, ainsi que le retour du refoulé.

Parmi les choses que l’art a toujours refoulé avec mépris c’est le kitsch. Parce que c’est vulgaire, parce que c’est de mauvais goût, et c’est donc irrecevable en art.

Parmi les premiers avoir introduit le kitsch dans les musées, il y a eu le collectif d’artistes bordelais qui signait Présence Panchounette. Entre les années 1968 et 1990, ils ont pris un malin plaisir à introduire de l’inattendu, dans des lieux institutionnels de l’art, en brocardant l’esthétique bourgeoise (le bon goût).
Ils disaient « ce qui est intolérable dans le vulgaire, c’est son innocence. »

Voir d’autres œuvres de Présence Panchounette.

Exposition expression d’Afrique réalisé par Présence Panchounette. En détournant le titre impressions d’Afrique du roman de Raymond Roussel,

Statue africaine affublée d’un accessoire inattendu, ici un walkman.

Ashanti de faire votre connaissance, (1985) le disque vinyl 45tr est la création du père Kodjo, le tout est posé sur un cendrier (ce qu’il y a de plus vulgaire)

Dans la même veine, les boîtes de soupe de Warhol

Près de 10 ans après l’initiative de Présence Panchounette, Philippe Starck, un designer, a produit ce motif qui est vendu comme une table d’appoint, et qui est assez proche de ce qu’avait fait Présence Panchounette quelques années avant.

Architecte designer italien Alessandro Mendini, a conçue en 1979 le fameux fauteuil Poltrona Proust.

Clin d’œil littéraire et artistique, Poltrona di Proust, une bergère XVIIIe revisitée, incarne un design expérimental hors de tout courant rationaliste et fonctionnaliste. Il magnifie l’ordinaire et s’érige contre les principes d’austérité tout en donnant libre cours à la passion de Mendini pour le kitsch.
Voir des variantes du fauteuil.

Il souhaitait en architecture, comme en design, humaniser la production. Voir une de ses réalisations en architecture the Groningen Muséum Pays-Bas.

Dans le genre kitsch de mauvais goût, l’artiste Sylvie Fleury a réalisé une chambre à coucher sixties en fausse fourrure orange, conçue en hommage à Claes Oldenburg, artiste du Pop Art..

Il faut également évoquer Jeff Koons qui a l’art de transformer les objets vernaculaire, ballons gonflables, figurines diverses, qui deviennent des œuvres d’art par la grâce du changement d’échelle. Ses œuvres sont toujours proprement réalisées, avec recours à des spécialistes, et à des technologies performantes, ce qui fait écho au culte du progrès infini. Il est à la fois, un fin connaisseur des tendances de l’art, et de l’esprit de notre temps, et un entrepreneur très avisé. Il s’inspire des choses simples, et populaires.

Il a sublimé les sculptures grec par l’ajout de cette boule bleue.

Voir d’autres œuvres de Jeff Koons (site de Jeff Koons).

L’autre contemporain qui exploite à fond le kitsch décoratif c’est le Belge Wim Delvoye.

Depuis 1995 il fait travailler des artisans indonésiens, chinois, et iraniens pour réaliser en bois sculpté, de gros engins de chantier, des bétonnières, des camions, qui sont réalisés en style gothique flamboyant, et qui sont à la fois énormes, délicats, et dérisoires, saturés de décorations minutieuses.

Voir d’autres « Gotics Works » (site de Wim Delvoye)

Il a également reproduit les mosaïques de la basilique San Marco à Venise (en regardant de près on se rend compte qu’il s’agit de mosaïques provenant de charcuteries).

Il a également fait tatouer des cochons. Il fournit les modèles aux tatoueurs. Les cochons sont tatoués vivants, et lorsqu’ils sont morts, leur peau est conservée (ou transformés en taxidermie).

En 2006 il y a acheté le dos d’un homme, Kim, avec un contrat. Le tatouage reproduit sur le dos de Kim appartient à Wim Delvoye. Une fois par an, Kim devait être présent dans une exposition, et à sa mort le tatouage revenait à Wim Delvoye. En 2008 le dos de Kim a été revendu à un collectionneur de Hambourg pour 150 000 €.

Exposition musée royal de Bruxelles on voyait des cochons tatoués dans la salle des Rubens. Kim a également participé à une exposition au musée du Louvre lorsque Wim Delvoye a été invité.
La démarche de Wim Delvoye c’est de mettre le doigt sur le goût populaire pour tout ce qui a nécessité des heures de travail (œuvres gigantesques qui représentent une véritable performance artisanale). Tendances populaires pour apprécier les œuvres qui ont demandé un travail important.

Voir un commentaire sur Wim Delvoye (Huffington post)

En photographie, une artiste Valérie Belin à la fin des années 90, a fait des photos très kitsch et très surchargées.

Série de photos de miroirs en noir et blanc, avec une mise en abyme des verroteries

Voir également :
– Série Venise I et Venise II
– Série de mariées marocaines (2000), dans lesquelles la femme disparaît sous les ornements.
– D’autres œuvres de Valérie Belin (site de Valérie Belin).

En 1999 une grande exposition à l’Institut d’Art de Villeurbanne, intitulée l’envers du décor, prenait acte de la dimension décorative refoulée, mise en œuvre par certains artistes.

Joana Vasconcelos envahit le Palacio Grassi de Venise avec ses proliférations géantes, de tricots, de dentelle, de pompons, comme les salons du château de Versailles en 2003 ou à la Biennale de Venise en 2015.

C’est « too much », c’est kitsch, c’est féminin, c’est baroque, c’est tout ce qu’on a rejeté dans une grande partie du XXème siècle.
Jusqu’en janvier 2019, à la Cité du Design de Saint-Étienne, se tenait une exposition qui s’intitulait l’ornement est un crime, et qui montrait comment le design au XXème siècle s’est efforcé de refouler l’ornement. Il commence aujourd’hui à lui redonner toute son importance.