Gina Pane 1939 – 1990
En prenant son propre corps comme projet, matériau et support de sa pratique artistique, Gina Pane, figure majeure de l’art corporel (body art) en France dans les années 1970-1980, travailla à inventer un « langage du corps » où la douleur et les blessures auto-infligées seraient source de connaissance et d’ouverture à l’autre et à un « corps trans-individuel », selon ses propres termes. Pour elle la blessure est un langage.
Parallèlement à sa carrière artistique, l’artiste enseigne à l’École des Beaux-arts du Mans de 1975 à 1990 et dirige un atelier de performance au Centre Georges Pompidou entre 1978 et 1979. Elle a passée deux ans dans l’atelier de l’art sacré.
Enfoncement d’un rayon de soleil 1969.
« Enfoncement d’un rayon de soleil » est une œuvre à caractère éphémère qui eut lieu en pleine nature et dont des photographies rendent compte. Dans cette œuvre l’artiste enterre les rayons du soleil. Pour ce faire, elle creuse un trou dans la terre et au passage d’un rayon de soleil enterre le passage de la lumière et avec celui – ci le passage du temps, de la temporalité. En plus des éléments naturels utilisé pour cette œuvre (soleil, terre, ciel), des miroirs sont installés autour du trou creusé dans la terre). L’action est particulièrement poétique parce qu’elle rend compte très simplement d’une impossibilité. L’action est vaine, vouée en quelque sorte à l’échec et elle se fait aussi métaphore ouverte. Elle procède aussi d’une sorte d’inversion ; alors que normalement ce que l’on enterre ce sont les défunts, c’est-à-dire des corps inertes qui se font matière à putréfaction que le soleil contribue à transformer, transfigurer, métamorphoser, faire germer, ici c’est le corps vivant de l’artiste qui enterre la matière insaisissable et vivante des rayons du soleil et qui opère une transformation, celle, toute symbolique qu’induit les éléments esthétiques de l’œuvre et leur disposition, et celle qu’opère l’usage des miroirs en déviant une partie des rayons du soleil.
Gina Pane – Escalade non anesthésiée (1971)
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Escalade non anesthésiée 1971.
Elle grimpe sur une structure utilisée comme échelle dont les montants horizontaux sont dangereusement encombrés d’aspérité tranchantes. Cette démarche sado-masochiste rappelant le Théâtre de la cruauté d’Antonin Artaud autant que le fonctionnement des objets surréalistes caractérise l’art corporel.
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Rappelle les échelles liées au supplice du Christ de Fra Angelico.
Elle accompagne sa performance d’un texte rédigé les seules photos diffusées sont celles qu’elle autorise.
1971 nourriture actualité télé. Elle ingurgite 600 g de viande avariée.
1972 Je à Bruges. Accrochée à une fenêtre. Elle envoie des photos aux spectateurs. Elle crée un lien entre deux zones : la vie intime et la vie publique. Voir un commentaire.
Azione sentimentale. Elle s’est plantée des épines de roses dans le bras. Signification du sang féminin.
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Gina Pane – Mise en condition (1973) rejouée en 2005
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Mise en condition, couchée sur une grille sur 40 bougies enflammées. Rappelle le martyre de St Laurent.
Sa souffrance était évidente pour le public, qui l’a vue se tordant les mains de douleur. L’idée de Pane était non seulement de tester l’endurance de l’esprit sur le corps humain, mais aussi une réflexion sur la douleur de l’humanité toute entière.
Action psychés essai rappelle le Christ aux outrages de Grünewald.
Avec ses mutilations Gina Pane, détourne et transpose des postures des moments de l’iconographie chrétienne. Même l’usage qu’elle a fait des morceaux de verre renvoie à un rituel connu, vu dans le film Mondo Cane qui montre la célébration de Pâques à Nocera Tirinese, en Calabre où les pénitents, vêtus de noir frappent leurs jambes nues de morceaux de liège lardés de tessons, tandis que la rue ruisselle de sang ; revivant ainsi la passion du Christ.
(Gina Pane était d’origine italienne, elle connaissait sans doute cette pratique).
La question des usages du sang par des artistes a été étudiée dans le cadre d’une exposition au centre Pompidou, en 2008 qui s’intitulait trace du sacré dans l’art contemporain. Un critique a écrit à cette occasion : L’art corporel en tant que pratique gestuelle et discours sur le monde, s’inscrit dans la continuité de deux grandes histoires : celle des représentations de la pensée religieuse (notamment la figuration du martyre), et celle des représentations de la pensée médicale, et psychiatrique le champ de l’anatomie. Ces deux chocs se rencontrent autour d’une figure précise celle de l’écorché et autour d’un processus précis, l’ouverture du corps. Et c’est ce que fait Gina Pane. Ses gestes sont le symptôme d’une survivance d’images archétypiques qui puisent leurs sources dans un sentiment du sacré. François Pluchard a dit Gina Pane avait-elle le pressentiment qu’il fallait une action aussi brutale pour prendre possession du public et imposer la réalité d’une rédemption collective par le phénomène douloureux de la création. Dans cette mise en lumière de la souffrance, tout se passe comme si l’artiste s’était donné comme première mission de racheter la société de ses tares.
Le propos de tous ces artistes aussi dérangeants soient-ils dans les années 70, c’est une critique de la société qu’ils ne jugeaient pas assez ouverte, pas assez attentive aux différences.
