Chapitre 3 La photo comme objet et ses mises en espace

De la 2D à la 3D

L’exploration de l’espace par la photographie a marqué un tournant significatif dans l’histoire de ce médium, en intégrant la dimension tridimensionnelle.

Pascal Kern, par exemple, joue avec les dimensions en intégrant des photographies plates (2D) dans des structures en volume (3D), appelées « avatars ».

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Cette interaction crée une tension visuelle et conceptuelle, explorant la relation entre l’image et l’espace.

Lors d’une exposition au MoMA en 1970, Michael de Courcy a transformé la photographie en un élément structurel, occupant et interagissant avec l’espace, dépassant ainsi sa fonction bidimensionnelle.

Robert Heineken et Ellen Brooks créent des sculptures photographiques, où la photographie est utilisée non seulement pour représenter la réalité, mais aussi pour explorer des idées et des concepts.

Cette pièce se compose de segments en bois recouverts de détails photographiques du corps nu d’une femme.

Cette installation se compose d’une grande surface de gazon synthétique (AstroTurf) sur laquelle est imprimée une image en taille réelle d’un couple nu, allongé sur le sol. L’œuvre mesure environ 12 pieds carrés (environ 366 x 366 cm) et est imprimée sur du lin photographique.
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Interactions spatiales

Constance Nouvel a photographié un mur éclairé. Elle joue ici avec les notions de perspective et de profondeur, créant une image qui semble osciller entre deux dimensions. Son approche fait écho aux préoccupations du groupe Support-Surface, qui cherchait à s’affranchir des limites traditionnelles du tableau.

Encore une exploration fascinante des relations entre l’image, l’espace et la perception.
Elle transcende le cadre photographique conventionnel, invitant à une interprétation qui dépasse la simple représentation visuelle.

D’autres artistes explorent l’articulation entre les éléments constitutifs de la photographie et ceux de l’installation, créant ainsi des œuvres qui interagissent avec l’espace.

Liz Deschenes, par exemple, imprime sur un support texturé et le photographie, explorant les notions de support et de surface.

Cette pièce est une impression jet d’encre doublement laminée sur Duratrans, un matériau souvent utilisé pour les affichages photographiques commerciaux. Les écrans verts sont couramment utilisés comme arrière-plans dans la production télévisuelle, cinématographique et de jeux vidéo pour introduire des effets spéciaux. Dans cette œuvre, Deschenes les rend visibles et les transforme en éléments centraux de son travail.

Anouk Kruithof et Matthew Stone combinent sculptures et photographies, ou photographie, peinture et manipulation numérique, pour créer des œuvres qui explorent l’espace de manière innovante.

Stone combine des éléments de peinture, de sculpture et de photographie pour créer des œuvres qui défient les conventions artistiques traditionnelles. Voir d’autres oeuvres de la série.

4 -Faire récits faire discours

La photographie comme outil de narration

Dès les débuts de la photographie, les artistes ont utilisé ce médium pour raconter des histoires et exprimer des idées.

Hippolyte Bayard, pionnier de la photographie, a mis en scène sa propre mort par noyade dans « Autoportrait en noyé », exprimant ainsi sa frustration et son sentiment d’injustice.

Anna Fox et Alison Goldfrapp photographient des mannequins dans des lieux chargés d’histoire criminelle, réactivant ainsi la mémoire des lieux.

Valérie Jouve explore les liens entre l’architecture et les individus qui l’habitent, demandant à ses sujets de réaliser des performances qui synthétisent leur relation à leur environnement. Elle privilégie une approche immersive, passant du temps avec les personnes qu’elle souhaite représenter. Par la suite, elle leur demande de réaliser une performance qui synthétise leur relation à leur environnement.

Dans le cas de cette jeune femme, par exemple, le cri devient le geste condensé, capable de traduire cette interaction complexe entre le sujet et son espace architectural.
C’est une approche intéressante qui permet de trouver des moyens de décaler le point de vue que l’on peut avoir.

Katharina Bosse et Vibeke Tandberg utilisent la photographie pour explorer des thèmes personnels et politiques, tels que la maternité, le corps féminin et la figure paternelle.

« Surface Tension », réalisée entre 1994 et 2000, est une série photographique qui explore les thèmes de la maternité, du corps féminin et de la tension psychologique. L’images ici est cadrée de manière serrée, mettant l’accent sur le corps et le visage. L’esthétique est à la fois réaliste et légèrement surréaliste, avec des couleurs vives et des compositions soignées.
Comme Valérie Jouve, elle met ses personnages dans l’espace où ils vivent. Ici, quelqu’un qui a une dimension bisexuelle. C’est aussi un acte politique

« Portrait of the Artist as a Young Mother » est une série de photographies en couleur qui mettent en scène Katharina Bosse elle-même, dans son rôle de jeune mère. Les images sont souvent intimes et directes, capturant des moments de la vie quotidienne avec son enfant. Bosse utilise son propre corps comme sujet, explorant les transformations physiques et émotionnelles liées à la maternité. Et l’utilise ici un artifice qui est la louve romaine.

Vibeke Tandberg utilise les vêtements de son père et elle rejoue l’image du père.

Son père était autoritaire, mais un peu fantasque. Elle représente les 2 côtés.

Dans une installation muséale, l’artiste revisite l’image du père, le transformant en figure patriarcale. Elle se met en scène en cow-boy, incarnant ainsi cette figure d’autorité. Au sol, des fragments de chevaux gisent, symbolisant la fragmentation et la destruction de cette figure patriarcale.

5 – Du numérique à l’IA

La révolution de l’image

De la génération à la manipulation

Un changement radical dans la création d’images est l’émergence d’artistes qui choisissent de montrer le processus de génération d’une image plutôt que l’image elle-même.

Au lieu de montrer l’image, l’artiste a montré le programme numérique qui permet de générer l’image.

Joan Fontcuberta, avec son œuvre Orogenesis Derain, illustre cette approche. Il a utilisé une peinture de Derain, Le Bosquet, comme point de départ pour une intelligence artificielle (IA), qui a généré une image s’inspirant de l’œuvre originale.

Fontcuberta a ensuite transformé ce paysage en reliefs tridimensionnels grâce à des logiciels de modélisation 3D, créant ainsi des images hybrides.

L’IA générative permet de créer des images à partir de requêtes textuelles, comme le montre l’exemple d’une image générée par Midjourney à partir de la phrase : « Des artistes manifestent contre les IA hyper réalistes 4K ».

Cependant, la création d’images par IA est rarement un processus unique. Les utilisateurs affinent et modifient les résultats initiaux par le biais de commandes textuelles, similaires à l’utilisation d’outils traditionnels comme le pinceau par exemple.

Répétition et manipulation

La photographie a toujours été sujette à la manipulation, comme le montre l’exemple de Migrant Mother de Dorothea Lange, où un doigt a été effacé sur une version de la photo.
L’IA, qui travaille à partir d’archives d’images quasi infinies, n’est qu’une nouvelle étape dans cette histoire.

C’est une photographie emblématique de la Grande Dépression aux États-Unis, capturant la détresse et la résilience d’une mère et de ses enfants.

Brodbeck et Barbuat, dans leur travail, en retravaillant cette photo avec une I.A., accentuent l’expression du visage et mettent en évidence ses défauts comme la génération d’images avec trop de doigts.

Ils utilisent ces défauts pour critiquer l’IA et ses limites. De plus, ils utilisent l’IA pour générer des images de femmes au visage marqué par des conditions de travail difficiles.

Simuler le document

Boris Eldagsen a remporté un prix de 30 000 € avec cette photographie. Il a refusé le prix, en révélant que l’image n’était pas une photographie traditionnelle, mais une création générée par intelligence artificielle (IA), et non réalisée avec une chambre photographique ancienne comme il l’avait initialement prétendu.

Formuler la démesure

Bruce Eesly, New Farmer, 2023 Le fermier du futur » est une série de photographies documentaires dans l’esthétique des années 1960. Ces images semblent retracer la trajectoire de la révolution verte. On y voit des fermiers satisfaits, assis sur de nouvelles machines qui font tout le travail à leur place.

« New Farmer » est une œuvre qui invite à la réflexion. Elle nous encourage à remettre en question nos hypothèses sur l’agriculture, la technologie et notre relation à la nature. L’œuvre nous rappelle que les images peuvent être trompeuses et qu’il est important de les examiner de manière critique.
L’œuvre de Bruce Eesly a été exposée aux Rencontres d’Arles 2024.

Retrouver les images manquantes

Pilipp Toledano, We are at war, 2024 présenté aux Rencontres d’Arles en 2024.
En 1945, lors du débarquement en Normandie, le photographe de guerre Robert Capa a perdu la majeure partie de ses clichés, détruits accidentellement pendant le développement. Avec l’IA, le photographe a proposé de retrouver les images manquantes à partir des archives existantes.

L’installation se compose de photographies générées par l’IA, de textes et de documents qui semblent provenir de sources d’information officielles.
C’est une installation puissante et provocatrice qui nous met en garde contre les dangers de la désinformation et de la manipulation des images à l’ère numérique.

Relayer l’imaginaire

Lu Hong, Un portrait chinois, 2024 est un exemple saisissant de la manière dont l’intelligence artificielle (IA) peut être utilisée pour explorer les thèmes de l’identité, de la mémoire et de la représentation.

Les images représentent des portraits de personnes d’origine chinoise, mais ces portraits sont composites, créés à partir de la fusion de multiples visages. L’installation explore la notion de « portrait chinois » en utilisant l’IA pour créer des représentations qui transcendent l’individualité pour explorer des archétypes et des identités collectives.
Son travail consiste à demander à l’IA De produire des images autour de certaines indications, le poisson, le chat

Jordan Beal, Artiste martiniquais, dans linéaments Il explore, dans ce projet, des représentations de son environnement. Il travaille sur les lignes et les formes, et sur la manière dont elles composent le paysage.

Il nous présente ici le retour des esclaves vers l’Afrique.
Les « linéaments » du titre font référence aux lignes qui structurent les images.

Archiver le futur

Yves Marchand et Romain Meffre, Les ruines de Paris,

La grande galerie de l’évolution en ruine
Au début de leur travail, ils ont beaucoup photographié la ville de Détroit, en s’intéressant à ce que l’on appelle le « ruines porn ». Ils ont esthétisé les ruines, à l’aide de l’IA en leur conférant une qualité picturale, augmentant leur potentiel visuel et graphique, pour les transformer en quelque chose de sublime.

Autre vue de Paris, mais la cathédrale reste, alors que les immeubles autour sont détruits.

L’œuvre peut être interprétée comme une critique de la modernité et de la fragilité de la civilisation. En représentant Paris en ruines, les artistes soulignent la vulnérabilité des grandes villes face aux catastrophes naturelles ou aux conflits.

Héritage programmé

David Fathi, Prelude to the Broken RAM, 2022-2023. Il s’intéresse à Marcel Duchamp. Et il l’évoque avec l’IA qui lui donne des images proches de l’artiste. Ce qui l’intéresse, c’est partir de là pour ensuite en faire quelque chose.

Marcel Duchamp qui se gratte la tête Et qui est complètement pixelisé

Sa démarche consiste à s’inspirer de situations réelles pour produire des images qui se transforment au gré de diverses variations, problématiques et jeux, aboutissant à une esthétique complètement différente.

François Bellabas, An electronic legacy 2016.
Il a beaucoup voyagé dans l’Ouest américain Pendant la période des grands incendies et il a fait près de 5 000 photographies. A partir de ces photos, il a demandé à l’I.A. de synthétiser les images et de produire de nouvelles images. Ces images ne correspondent pas à la réalité, c’est simplement une reformulation à partir d’images existantes.

Mathieu Bernard-Reymond, d’après Ramuz, 2023-24. C’est une série de photographies qui sont inspirées par l’œuvre de l’écrivain suisse Charles-Ferdinand Ramuz. Bernard-Reymond utilise l’IA pour générer des images à partir de descriptions textuelles extraites des romans de Ramuz. L’œuvre explore la manière dont l’IA peut être utilisée pour donner une forme visuelle aux images mentales évoquées par la littérature.

Nicolas Grospierre, Lapis Mundi, 2022 c’est un artiste qui travaille à la croisée des chemins entre la photographie, la sculpture et l’architecture. À partir d’images de couleurs de pierre. L’IA va lui proposer différentes architectures.